北京电影学院影视金融班10月课堂，荣幸邀请到了中国电影导演、监制，编剧、制片人——*建新老师，为同学们分享“巨片佳作的炼成”。
中国电影导演、监制、编剧、制片人。年凭借首次独立执导的剧情片《黑炮事件》获得新时期十年电影奖最佳处女作奖、华表奖优秀影片奖。年，执导剧情片《轮回》，该片为西班牙圣·塞巴斯蒂安国际电影节正式参赛作品。年，凭借执导的喜剧片《站直啰别趴下》获得第50届威尼斯电影节参议院特别奖、华表奖优秀影片奖、大学生电影节最佳影片奖。年，凭借执导的剧情片《背靠背脸对脸》获第15届中国电影金鸡奖最佳导演奖、金鸡奖最佳合拍片奖、大学生电影节最佳影片奖、福冈国际电影节最佳影片奖。年，凭借影片《埋伏》获得第17届中国电影金鸡奖评委会特别奖，此片为柏林电影节正式参赛作品，年，执导的影片《说出你的秘密》获得第七届北京大学生电影节最佳影片奖。年，执导喜剧片《谁说我不在乎》，获得第九届大学生电影节最佳导演奖和第21届中国电影金鸡奖最佳导演提名。年，执导影片《求求你，表扬我》，该片获得第八届上海国际电影节金爵奖评委会大奖，最佳编剧奖。年，监制影片《投名状》，此片获香港金像奖最佳影片等8项大奖。年，凭借执导的历史片《建国大业》获得第14届中国电影华表奖最佳导演奖、百花奖最佳影片奖。年监制影片《十月围城》，此片获香港金像奖最佳影片等7项大奖。年，执导历史片《建*伟业》，获华表奖最佳编剧奖、华表奖优秀影片奖。年，监制的3D魔幻片《白发魔女传之明月天国》获得第10届好莱坞中美电影节金天使奖电影。年担任影片《智取威虎山》监制、编剧，此片获得华表奖优秀影片奖。年，担任动作警匪片《湄公河行动》的监制。此片获金鸡奖最佳影片奖。年，担任《建*大业》的监制，《悟空传》的监制。年，担任《我和我的祖国》总制片人。此片获百花奖最佳影片奖、金鸡奖评委会大奖。年，执导历史片《》，担任《我和我的父辈》总监制。同年担任抗美援朝电影《长津湖》总监制、编剧。
当年黑泽明荣获奥斯卡终身成就奖时，他说：“我拍了五十年电影，可是我还是不懂它”。这也许就是电影的魅力，无穷无尽，深不见底。电影是个梦，我，*建新，从16岁开始做这个梦，今年67，还一直在这个梦里……
电影有着多维度的空间和戏剧人物关系，依靠影像的微妙表达去展现。四十年代影片《神女》与同时代的欧美影片相比，镜头语言毫不逊色，而且独树一枝。
本质上胶片应当是电影的稿纸，计划经济年代，胶片供应极为有限，对创作的自由想象形成限制，再加上产量有限，与世界同步交流有限，于是中国电影跟世界电影产生了差距。走完这一圈，进入改革开放，时代呼喊出中国电影产业的概念。这也是中国电影所面临的重大转折，是迈上世界电影高峰的必经之路。所以是否承认电影是工业，电影是产业，是一个重要的问题。
制片管理不靠想象完成靠计算完成
欧美体系的大制片人，被香港译为监制，在他们眼里，制作不能仅仅通过想象完成，而且还需要通过计算完成，计算是电影工业的概念基础。在一个预算成本范围内，动员创作者展开想象完成创作，是电影工业的重要前提。
世界上，制片人对电影的管理是规律性管理，预算细到手纸的规格数量。这些方法是将可预见的预算锁死，必须得花的一定花，在预算里都有详细体现，这是一种近乎透明的控制，而不可预见费，是另一波钱。每一部分的经费用在谁手里，怎么用，一清二楚，这样，预算执行是清楚的，这是成本控制的基本方法，如果只是糊里糊涂的匡算，钱未必能用在拍片上。详细至微的方法能保证经费实实在在用在拍片之上，虽然不一定保证拍的好，但至少是用在了拍片里。这是第一步，也是保证影片按周期完成的基础。
在导演高峰期决然放下探索摸索中国制片之路
在拍了几部艺术电影之后，有机会参与协助昆汀拍《杀死比尔》，获得些经验。观望国内当时糟糕的电影市场环境，发现中国缺少真正的制片人这个职业，于是在自己导演高峰期时，决然放下，改作监制，就是想集中国电影集体力量，推动电影产业发展，为中国电影的规模化、市场化做些基础工作。这对中国电影的长远发展是有利的，导演脑袋天马行空，但制片人的工作是要落到实处。
首先做中国版的详细预算表，在外国优秀制片人的帮助下，整理了适合当时中国制片环境的，能在50页左右完成一部影片的基本预算表，（下延到四级科目）现在预算表有各种版本可参考，可在网上购买，但那时是零起步，仿照欧美，结合中国实际做模板。首先尝试使用预算表的是华谊兄弟投资的《墨攻》，此片有韩国与日本的投资，制片人，演员，团队，试用很成功，收获多方的肯定。
与昆汀的合作，是集中了当时亚洲顶尖力量，在一个期限内，不超支的完成所有拍摄。以前中外合拍，合作不愉快，是因为我们只站在中国立场，用中国习惯，不用全世界公认的方式去交流。通过这次拍片领悟到，中国电影需要管理原则。中国制片人要掌握这个原则，这个原则不是个人意志表达，是一个产业本质的表达。在工业进程中，一定会有不足。在第一次出现不足时，可以原谅你的些许不足，但第二次、第三次就无法原谅，原地踏步并非长久之计，所以要不断提高。多从各个角度，对电影有多维度的理解、消化，通过自己的实践慢慢总结，只要点找对了，很快就能上道掌握。
电影庞大的工业制作结构由技术和人才支撑
技术与人才，这两方面结合在一起才能展现一个国家电影的整体风貌。人才流动是一个维系创作激情的好办法。以前计划经济的行*管理委派制度无法替换掉任何一个你觉得无法合作的人，也就是说，无法进行优胜略汰。改革开放，人才流动，有了选择权，会第一选择你需要的人。组织人才流动，使题材+人才组合成最佳，组成最有创造力的团队。
微妙与敏感是艺术家的生命
电影的表达一定要转换到感性上来，只有丰富的感性的表达，观众才会被感染。想象力是电影的原始动机，做制片人千万不要扼杀创作者的想象力，他可能跟你想的不一样，但那是影片的灵*，想象力是需要保护的。艺术电影不太需要监制，因为监制有可能会把独特的想象给扼杀。演员跟导演，是制片人要格外保护的人，他们是最敏感的人。他们是靠敏感、细微、捕捉、想象，来构建其艺术生命过程。不敏感做不了好演员，因为捕捉不到微妙，也表达不出微妙，观众更看不到微妙，导演亦是如此，导演的触角首先得自己能感觉到，才能传达到位。但敏感的人向来脆弱，一旦受影响，很难恢复最佳状态，技术可以不断调试，但感觉稍纵即逝。人在从事不同职业时，都会有极端优点与极端弱点，这是人类的局限所致，制片人一定要把控好这个，因为是靠这些来完成一部影片的。制片人是一个复合的职位，要求有艺术感觉，懂剧作表演，懂节奏结构，管理调动，技术科技。美国之所以是制片人中心制，是因为他们拥有这样一群复合人才，可以推动事情往任何角度发展与前进。电影的创意是可以改变投资概念的，但这个创意得对所有人产生影响才行。
职业导演不与工业体系对抗
工业与艺术是两个闭环，千万不要重叠的将其合成一个闭环，否则只会天天纠结较劲，心里难受，逮谁吵谁。商业电影评判体系是有具体坐标的，但艺术电影没有具体坐标，这两个做好都不容易。艺术电影与商业电影一定是长期并存，互相推动发展。中国商业电影市场变大以后，艺术片拿到拍片的机会是过去的10倍。
艺术电影是独特想象，是通过特别微妙的个人表达构成说服力与影响力。工业电影的导演不视独创性为唯一标准，工业体系需要的导演是一个尽量少犯错，有丰富技能和经验的导演，因此好莱坞大量保持类型片生产的导演是40-50多岁，这种导演需要与工业体系配合，才能完成这个体系想要的类型化的好产品。在工业体系中，就要尊重这个体系的规则，体系规则也包含了很多道理，在接受干这个活时，应遵守行规，在规则里充分展开想象去完成。如果心理与整个制度对抗，活就没法干。艺术片则相反，虽然钱不多，但忠于自我。所以能看到好多艺术片导演即便抵押房子，也要完成自我想象和表达，而工业体系导演不会冒这种生存风险。
商业电影方式有些类似PUA传销艺术电影则是布道
电影的仪式感来源于关了灯门，密闭空间的强制性观看阅读。艺术电影如同布道授业，一点点，缓缓渗透，娓娓道来，沁入心灵，让你树立信念，这个信念可以是信仰，理想与对未来的希冀。艺术电影的观看需要相对安静，因为它走向内心，极端的说，一对一的观看状态可能是最好的。商业电影的本质有点像PUA传销，要用5-10分钟内容洗脑，控制住观众，用一切镜头语言，视听手段，人物关系，故事情节控制你，让观众的注意力高度跟随着电影的脚步走，看完后可以表示不相信，或者觉得是胡说八道。但在观看过程中，是被导演的视听技法死死摁住。因此任何一种方式的能否长久，是由于它的美学特征和心理特征决定的，不是由个人喜好决定的，这是不同的规律。
电影不同美学不同
不同题材，不同定位对应着不同的美学追求，即使艺术片市场回报不理想，投资人自己也会认，也许百年后，影史留其名，因为群体与个体的思想差异向来如此。有的艺术电影是超前表达，观众反应滞后。但商业电影不追求过度深度，追求类型。追寻的是电影工业的自然循环，必须维持住产业生存，保证收益投入再生产，推动行业整体发展。大量商业电影的特征，是一种消费，是观众花钱买快乐，买眼泪，买恐惧，买兴奋，买感动……你的卖点与观众契合，票房自然好，这就是市场电影的基本逻辑。商业电影的美学特征是非常重要的，作为投资者与管理者，一定要研究类型，这是必不可少的一堂课，需要下足功夫。每个类型都具备自己独有的艺术特征，找到善于创作类型的人才才能拍好。中国电影需要的是大量高技能的匠人，喜欢某类型，就去把某类型看遍，上手模仿着拍，研究如何控制节奏，讲述故事，用影像影响心理，怎样造成悬疑，惊悚，紧张，浪漫……艺术片大部分都是淡淡的，写实的，让你一点点感受到它影响和渗透，大家都各自沉浸在自我体会思索，自我内心对话。有时候创作者会用“找到商业和艺术的契合点”这个理想思维来局限自己，这个想法不为错，但只是个别可能，大量电影并非如此。
影院“场”的美学概念
喜剧片，独自一人在家看，笑的幅度也就咧咧嘴。10个人看就会有笑声，20人看笑声增大，影院大厅看喜剧片常常哄堂大笑，甚至连台词都听不清楚。这就是“场”的概念，“场的效应”有点像在现场看足球比赛。因此，电影与电视，与网络的区别，就是场，强制性的观看，让你进入到一个群体幻觉状态，然后产生群体的场互动。电视很大部分可能被网络取代，是因为电视与网络的同质化。电影曾经在一段时间低潮后，好莱坞用大量的科技挽救了它，开拓出电影新的视听感受，致使现场体验更加沉浸。电影也是时髦的艺术，任何最先进的设备，都会用来推动电影的技术完善。这也是目前电视网络手机，无法替代电影的原因之一。
类型片背后的心理逻辑
很多年轻人看有些影片，会觉得“老”。这是中国电影一个比较突出的问题，是因为我们缺乏类型片的建立以及现代语境的缺失。
中国电影缺少自己的类型体系，大部分类型都是借鉴学习。中国独有类型是功夫片，一个弱小的人通过自我成长，扬善惩恶，完成英雄梦，影片通过动作来构建这种联系。
类型片是重复的，类型电影的创新，是随着工业科技发展，表现方法飞跃与新的故事形态的变化而变化。类型片背后的心理，主要与人类成长的经验，进化经验联系在一起。很多东西并不来源于后天认知，而是遗传，这些认知进入了遗传编码的体系。恐怖的基点是什么？是人类在不同地域的进化过程中，对恐惧的感受不一样，有人怕羽毛，有人怕蟑螂。这是意识里的结构，在电影里是心理恐惧性与影像组合的对位。
电影的语境
有些电影，观看时有前置文化要求，但大众电影不能这样，要让绝大多数人能看懂。电影是通俗文化的一种，在有的国家，电影划在娱乐圈，不划在文化圈，这是由它国国情及产业结构属性决定的。再则，如果不了解当下语境，电影无法对位，就可能陈旧。银幕与现代化，是密切联系着的。电影里表达现象与味道，都与观看群体的现实语境有关。在任何一个时代，语境是一直在变化的，这种变化决定了诉说表达的环境关系，心里关系。所以方法、速度、节奏、结构、味道，传递关系等等都影响着电影表达的当代性，如果一部电影拍完，不具备当代性，这部电影的价值并不大。即使拍历史剧也要具备当代性，对应着现代人的困惑，内心的理解与冲突。二战后，哲学从本体论向方法论转换时，欧洲出现了一批具有哲学思维的电影大师，任何文化现象的出现都是与整体思潮联系在一起的。本体论已经解释不了人类复杂细微的变化和冲突，那些比二元对立更为复杂。
如何看待大师？仰视or平视？
优秀的匠人很多，但天才极少，天才即大师。天才导演拍东西都有个人偏好，他只拍某些，库布里克就是艺术成就极高，创造电影语言的导演。美国同行见到了他都毕恭毕敬，因为他是创造电影语言母本的电影之神。大师为我们在电影里点燃了智慧的光芒。
早期，我拍《黑炮事件》，颜色对比强烈，深受安东尼奥尼与维斯康蒂影响。
伊朗导演阿巴斯的作品，像一个个寓言，淡淡讲述，但看完后引发无限回想。
阿巴斯去世时，世界文化杂志都刊登了悼念他的文章，称：“最后一个电影大师的离去”。这标志着在电影历史的进程里，大师的时代已去。原因可能在于科技的高度发展，人类进入到一个新时代感知时代。扁平化、碎片化几乎蔓延到所有领域。现在人的知识储量，是30年以前的80倍。当今人类，发生的事件，会聚集无数的思想在一件事情上汇集，这种复杂性从未有过。现代科技发展，传递技术速度提高，把地球变小。短视频时代，人人都是创作者。手机从通讯工具，变为多媒体载体，成为人大脑的外延。现在的时代话语权人人平等，你想表达就有途径可以表达。当然，表达的水准高低是另一个问题。
时代终会更替。大师建立的体系是别人很难超越的，大师似乎距离我们渐行渐远，但你看他的角度由你决定，仰视还是平视？永远仰视会累，平视并不减弱他对你的影响力，我们依然尊敬他，这是文化心理位置的定位问题。
文化价值是多元的和而不同不是非此即彼
是不是用真诚的，有创意的，爱的方式，去表达内心特别想表达的东西，从这点去看文化会得到一个启发——向普通人靠近的文化价值。生长在东方这片土地，我们所了解的是有限的。有时候不要过于拿一个界限去区分限制某种文化属性和特点，因为文化是和而不同，互有包容。中国四川出土的三星堆，似乎与西方卡巴拉是有映对的。因此，看待一个文化现象要多元多维度来看，无法用单一体系坐标轴去硬套。要树立多元概念，不要推崇非此即彼。要让世界变得丰富，就得有这样的宽容度，否则双方就都没有自我。文化需要被重新集合整理才能形成主流，观之电影，中国电影一定有自己独有的文化属性，这个属性可能慢慢全世界人类都能理解，也可能永远就只传播于在华人文化圈地区之内。
传承经典是主流价值观的创新性表达
任何一个国家都有它的主流价值观，这个主流价值观的产生不来自好恶，而是综合存在，互相消耗，叠加融合，产生的被大多数认可的价值观。如没有主流价值的国家精神上无法独立，这一点，每个国家都有它更深层次的表达。以前主旋律一直市场不好，大家都觉说教过头。《长津湖》里战争是残酷的，战争并不不浪漫，但战士是动人的，他们身上有那么强烈的爱，对亲人的爱，最国家的忠诚，对生命的渴望，在需要牺牲的时刻，又能奋不顾身。电影通过感人的故事进行了表达。通过描写、细节、人物命运，最后能抵达到一个精神的彼岸，这就是好电影，我们电影人一辈子都在做这个努力。
把红色经典转化成类型片难度很大，大家看完《智取威虎山》，会觉得这没啥难的，其实这就是难。类型片，简单明了直接，虽然以往的经典也是简单明了直接，但这两者间的鲜明元素，相互结合与转换，是截然不同的，要想改变是难上加难。这类影片以前基本靠台词，变成类型片，需靠丰富的电影传达。《智取威虎山》涉猎了很多当时中国电影，很多没做过的事情。比如要求3D拍摄达到90%以上，在那个年代的3D电影，3D拍摄的占比一般是20%到30%，其余都是2D转的假3D。3D最难拍的是文戏，《阿凡达》里最让人惊艳的是潘多拉星球异域美丽的蓝色深林，而不是打打打。
《长津湖》如何平衡三位导演的风格？
一开始都觉得是抑制导演的想法，让他们向一个地方靠拢。在与徐克、陈凯歌、林超贤、于冬谈完之后，得出的结论是让他们“向极致发挥，往极致拍摄”，我们用情节与人物情感来完成衔接。如果限制导演，落于中庸，可能导演擅长的部分就满足不了观感的极致体验，就好比看完，观众心理感觉可以打80分，差不离，但不满足，上不了90分→分→超过分！这种赞叹是大悲大喜，是给人造成巨大心理波动的震撼感，电影需要这样的极致体验，优点缺点都突出，依旧可能是好电影，但平庸则永远无法接近优秀。
一切的管理都是维系着向心
《长津湖》不包括群演，剧组的工作人员达到了多人。三个导演三个组，同时并进拍摄，如果把他们的时间，按线性衔接，相当于一个人的工作组，工作了四百多天。相比以往，也确实感觉到整体从业人员的专业素质大有提高，譬如战争场面，如此多的炸点，全组无一人伤亡，安全保证体系起了很大作用。
一部戏的周期不能太长，这不是个人意志问题，而是心理问题。好制片人得读点心理学，不光是条款管理，还得了解人的身体和心理，本能是躲不掉的。人在摄制组，2个月就是一道坎，全组低潮期来临，创作欲望急剧下降，创作状态也差。如何有效管理创作人员，在他们最好的状态下工作。超级疲劳状态，出现的首要问题是注意力不集中，经常恍惚，《长津湖》一个镜头里经常几百个炸点，一恍惚就有可能出危险，生命最宝贵，所以要互相帮助，保障安全。
一个剧组的管理里，会遇到无数多的问题，这些问题不只是简单的生产过程，剧组是一个临时组成的集体，所有社会问题都会出现，好制片人就是要有效组织安排，让每个人都有荣誉感归属感。比如《长津湖》的片后字幕长达8分钟，但可以找到每一个参与过《长津湖》工作人员的名字，这是在根上对他们的尊敬。一切的管理，都是维系着向心，向心与理想连在一起，我们这么多人，这么多年还爱电影，没别的，就是因为爱。即使剧组工作辛苦，也会有一种归属感。互相尊重是前提，相互交流也就变得容易。一群人，临时组建成复杂的人际关系团体，去创造一个人际关系的故事，这些都是跟灵*有关的。管理也是如此，对象不是机器，而是能和你互动交互的同类，将灵*与管理形成合力，并积攒成型，一部好电影就会诞生，自己也会有劲，再苦再累，也会充满干劲，不会怨恨。大家喜欢电影得有这样的耐心与想法，这样才能干好，其他的都是技巧。
电影是爱，你爱它，便愿意为之奉献一切！
国庆档另一部影片《我和我的父辈》，我也是总监制，某天*导演的段落在航天系统里组织放映，邀请了杨利伟以及很多航天人前来观看，映后交流环节，有一位87岁的老院士，戚发轫，他说“感谢小章导演，拍了一个这样的故事，我们都流泪了，我们当时就是在这样一个艰苦的干打垒之地，孩子们同我们一起受苦，完成祖国任务，他们经得起苦，经得起寂寞，但现在生活条件好了，科研人还是要吃苦，吃的是寂寞之苦，要经得起寂寞之苦，你就得爱它，迷它，就得奉献”。
这位老院士一辈子奖章荣誉无数，问起他的经历什么最重要？他说年轻时，有一次上天安门，他们当时还没有成绩，还在摸索，并未完成项目，他走在后面，被周总理叫住，去见了毛主席。周总理对毛主席说：“毛主席，他是戚发轫，就是他们，正在研究火箭，但还没成。”，毛主席伸出手说“谢谢你”，这是老院士这辈子觉得最珍贵的时刻，与之相比，那些奖章都没那么重要了。我们拍电影也是如此，哪部戏不是最初没有成绩的摸索？我热爱电影，我这辈子除了当了6年兵，上了几年大学，其余时刻都在做电影，今年67岁，还在一线工作，拍摄时基本上每天超过10小时盯在现场。虽然干了几十年，依然会犯错，错了就跟大家道歉，大家会说没事，谁都会判断错，咱再来一次。拍片很苦，也很酷，在这特别苦的过程中，会有一种特别踏实的感觉，我喜欢这样的感觉，我喜欢和大家一起，共同把一个想象完成。这个梦承载了许多托付，我们爱它，因此就会说做一个像样的电影，做一部好电影，来不负此梦。
电影的语汇不仅仅在叙述中，还会在结构里藏着，这个表层结构和深层结构的共振，能产生联想，获得了民众心理的共鸣和跟随，在民族精神的深层，其实藏着最柔软的情感，电影如果有办法拨动这个最柔软的情感，观众会有无限联想，他已经不在情节里，甚至不在人物上，他沉浸在潜意识里。所有伟大的电影，都打开了人的潜意识，让其沉浸，电影是梦，沉浸在梦里，生活在梦里，很知足。
北京电影学院影视金融班的